Arquivo | Diretores de Cinema RSS feed for this section

Academia Internacional de Cinema (AIC) | 23 Cursos de Cinema com Desconto até 18/12

12 dez
A Academia Internacional de Cinema (AIC) é uma escola de cinema com unidades em São Paulo e Rio de Janeiro. Reconhecida por sua excelência demonstrada em mais de 2300 filmes produzidos pelos alunos em seus mais de dez anos de atividades, possui programas exclusivos e inovadores que combinam teoria sólida com prática intensiva. A AIC ensina aos alunos as habilidades necessárias para que atuem como profissionais criativos nas diversas áreas do cinema.
post_02O corpo docente é composto por professores experientes e cineastas de renome, com muitos trabalhos no mercado nacional e internacional. Com um programa de mais de 30 cursos que abrangem toda a cadeia produtiva do audiovisual – da ideia à distribuição, entre eles: cursos de formação livre, intensivos de férias, oficinas especializadas e o curso de 2 anos de Formação Profissional em Cinema – o Filmworks.
Confira abaixo todos os nossos cursos semestrais e anuais com desconto de dez por cento à vista e parcelamento facilitado até 18/12.
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Entrevista Adriano Goldman | Diretor de fotografia [ABC]

12 dez

Com 10 episódios, a primeira temporada de “The Crown” estreou na Netflix no dia 4 de novembro. Escrita por Peter Morgan, roteirista de “A Rainha” (2006), a série é baseada em fatos reais e traz a história da família real do Reino Unido, em especial da Rainha Elizabeth II. O ponto de partida da série é o seu casamento com Philip Mountbatten, em 1947, antes de herdar a coroa, aos 25 anos, devido à morte de seu pai, o rei George 6º.postConsiderada a série mais cara da história, com orçamento estimado em US$ 130 milhões, “The Crown” tem recebido muitos elogios da crítica, tanto por sua história quanto por sua qualidade técnica. O diretor de fotografia Adriano Goldman, ASC, ABC, que assina a fotografia de seis episódios da primeira temporada e está filmando a segunda, conta um pouco sobre o trabalho na série.

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Gravando Bandas | Próximas Turmas

17 ago

O treinamento “Gravando Bandas” é um curso oficial que nasceu e se consolidou dentro da Jornada Adobe, série de treinamentos oficiais organizada desde 2003 pela Action Criações, nas áreas de Design e Video Digital. Derick Borba encontrou uma maneira inteligente e dinâmica, onde dentro de um treinamento consegue conciliar teoria e prática.

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Próximas Turmas?

1. SÃO PAULO/SP – 01/09 até 03/09 – BANDA: Zander
2. SÃO PAULO/SP – 15/09 até 17/09 – BANDA: Gloria
3. RIO DE JANEIRO/RJ – 30/09 até 02/10 – BANDA: Seu Cuca

Como fazer sua inscrição?
Site: www.gravandobandas.com.br
Facebook: www.facebook.com/Jornadaadobe

O treinamento tem carga horária de 30 horas (3 dias), extenso conteúdo teórico e altamente prático, o aluno adentra ao mundo de produção de videoclipes, passando por todas as etapas, desde o roteiro até a entrega ao cliente. O aluno aprende na prática técnicas avançadas sobre iluminação, participa de todo processo de gravação e utiliza os melhores equipamentos do mercado.POST_02

“Ensinamos segredos de como trabalhar com baixos orçamentos (low budget), e apresentar um video de impacto com resultado final altamente profissional.” Derick Borba, instrutor do treinamento “Gravando Bandas”.

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Edição Suicida? | Esquadrão Suicida

21 jul

O diretor David Ayer do filme Esquadrão Suicida divulgou algumas fotos dos bastidores do filme. Ayer brincou que o filme se chamaria Arkham Asylum que é a casa de vários membros do Esquadrão Suicida. As filmagens começaram em abril de 2015 em Toronto, Ontario no Canadá.post 0Essa é a timeline do filme que está sendo editado desde fevereiro. Totalmente suicida a tarefa desse editor!post 2O filme está programado para ser lançado em 04 de agosto de 2016 em 2D, 3D e IMAX 3D.

Birdman | ARRI

24 abr

Depois de passar dois anos na meticulosa produção de GRAVIDADE, o diretor de fotografia e ganhador do Oscar, Emmanuel Lubezki ASC, AMC, fez seu primeiro longa-metragem com o diretor Alejandro González Iñárritu. No entanto, o roteiro de BIRDMAN, não era o que um DP ganhador de Oscar gostaria para seu próximo filme.

“Quando li sobre o BIRDMAN, fiquei um pouco em estado de choque, pois tinham todos os elementos de um filme que eu não queria fazer. Era principalmente em estúdio e eu não queria trabalhar em estúdio. Era uma comédia e eu não queria fazer comédia. Era um filme que ele queria fazer várias sequencias longas e provavelmente uma única vez. Depois de GRAVIDADE, eu não queria entrar em nada disso, provavelmente nunca mais! Portanto, por um lado, tinha um filme que eu não queria fazer, e por outro lado, estava trabalhando com Alejandro.Porém, quando ele me falou sobre todas as outras coisas que ele queria retratar, onde não estavam no roteiro, fiquei realmente animado.”

Michael Keaton interpreta Riggan Thomson, um ator conhecido em interpretar o super-herói Birdman. Riggan tenta reacender sua carreira dirigindo e estrelando uma peça baseada em “What We Talk About When We Talk About Love” de Raymond Carver. Para comunicar a urgência da situação de Riggan, os cineastas utilizaram uma série de técnicas para envolver a audiência e trazer para a tela o dinamismo do teatro ao vivo. A ARRI Rental, em New Jersey, forneceu a ALEXA M e a ALEXA XT, além das lentes. A câmera de Lubezki segue os atores no palco e fora dele, mostrando como a produção se desenrola: quebra de relacionamentos, o rastejamento das dúvidas de Thomson e as diferenças de personalidade. O resultado é uma experiência cinematográfica com testemunhos cativantes e a vitalidade do teatro. Nesta entrevista, Lubezki fala da elaboração desta comédia de humor negro.

Esta não é a primeira vez que você trabalhou com Iñárritu, certo?

Trabalhei com ele muitos anos atrás em um de seus primeiros comerciais. Trabalhamos 42 horas sem parar, nem mesmo para um café. Eu percebi que ele era um diretor muito rígido, estava aprendendo, mas ele tinha um enorme apetite de explorar coisas novas. Foi muito emocionante. Ele me chamou novamente para fazer seu curta-metragem, mas eu estava trabalhando nos Estados Unidos. Nossos caminhos se separaram e ele começou a trabalhar com dois amigos meus no México; então, ele conheceu Rodrigo Prieto, provavelmente um dos melhores diretores de fotografia do mundo. Acho que Alejandro fez todos os seus longas com Rodrigo. Quando ele me chamou para fazer o BIRDMAN, a primeira coisa que eu quis saber, se foi uma decisão única, ou se ambos estariam Ok com isso. Uma vez que Rodrigo nos deu sua “benção”,  fui para a pré-produção, mas foi trabalhando com Alejandro que foi a parte mais emocionante.

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O que você achou emocionante?

O filme todo foi pensado antes de ser filmado, a maneira como é filmado. Não é algo que aconteceu posteriormente, foi como Alejandro escreveu o filme. Seus outros filmes são muito legais, às vezes usa várias câmeras, são maravilhosos e lindos, mas ele queria fazer algo diferente com BIRDMAN.

Desde o início, ele queria fazer o filme em um único plano ou em tomadas muito longas, praticamente coisas impossíveis. Alejandro disse, “Bem, você sabe, quando eu acordo de manhã e começo o meu dia, não sinto como um monte de cortes. Sinto como um movimento constante. Eu vou da cama para o banheiro, etc. “Há algo sobre fazer em plano sequência; todas essas longas tomadas estão relacionadas a isso. A vida continua, e talvez não ter cortes iria ajudar a imergir o público nesse tipo de ritmo emocional.

Desde que começaram a escrever o roteiro, ele pensava sobre esse personagem preso nesse ambiente. Eles escreveram isso, para que você possa sentir que estava andando com ele nos corredores. Sua vida começa a implodir neste ambiente e eles estão todos conectados. É um belo exercício de escrita.

Longas tomadas motivaram o movimento de câmera?

Estávamos sempre pensando sobre o que queríamos ver através dos olhos de Riggan e o que queríamos ver mais objetivamente. Tudo começou na escrita do roteiro e no elenco. Tudo estava muito interligado, caso contrário, teria sido impossível.

No filme foi utilizado parte em Steadicam e parte com câmera na mão. A câmera está em constante movimento. Realmente não queria fazer o filme em plano sequência, eu não queria que o filme fosse um triunfo para o diretor de fotografia. Acho que teria sido desonesto ou enigmático e não queria que o filme fosse apenas enigmático. Eu também queria ter certeza de que não estávamos fazendo isso só por fazê-lo, o movimento de câmera era orgânico para a história. Eu odeio a palavra orgânico, mas foi realmente uma parte da história, parte da energia dos personagens. Era importante para mim se sentir bem, porque é algo que você pode ser derrubado muito facilmente quando está fazendo um plano sequencia. Nós acrescentamos dois cortes, mas os movimentos ajudaram a levar o público para o mundo dos personagens, de modo que o filme é sentido como imersivo e imediato.

Em um palco vazio, construímos com pano e tripés uma idéia do que o set seria. Começamos a fazer as matrizes das cenas e os cortes de como seriam. Trabalhamos, provavelmente, por 2 meses com uma câmera na mão e bonecos, apenas para os planos gerais, como a câmera se moveria e de que forma fazer  tudo isso.

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Com quais câmeras você filmou?

Usamos principalmente a ALEXA M para câmera na mão ou quando as cenas eram, muito, muito longas. O mais interessante sobre a câmera, é que ela é muito pequena, podendo ficar entre dois atores que estão próximos um do outro e nos permite entrar em pequenos espaços e situações entre eles; onde, você sente como se estivesse no centro de um furacão ou no centro da ação. A ALEXA XT esteva no Steadicam, onde usei para cenas mais objetivas ou mais angulares. A M estava em todas as cenas onde a câmera tinha que entrar, cenas mais subjetivas, mais próximas dos atores.

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Como operador, este deve ter sido desgastante para você fisicamente.

É cansativo. Muito difícil para o corpo. Para mim, é muito difícil, porque eu não sou um ator e assim me lembrar de todas as dicas, todo o diálogo, quando um ator está chegando na porta… Às vezes eu tinha que fazer anotações perto do meu monitor, dessa forma, com um olho lia as dicas e com o outro verificava o enquadramento.

Não acredito que poderíamos ter feito este filme, um ou dois anos atrás. A câmera ALEXA e a ALEXA M especialmente, me permitiu fazer câmera na mão por muito tempo. O fato de que você pode gravar por vários minutos e também que o sistema de vídeo obtém uma imagem que é tão clara para o diretor… Elas nos permitiram fazer o filme. Caso contrário, eu acho que teria sido provavelmente perto de impossível.

Chris Haarhoff, nosso operador de Steadicam, foi incrível. Eu não sei como ele fez algumas das cenas e na velocidade que estava fazendo, às vezes andando para trás. Michael Keaton gosta de falar e andar muito rápido. Quando estávamos ensaiando o filme, ele disse: “Eu estou preocupado que vocês vão estar andando para trás, pois eu vou muito rápido.” Nós ensaiamos e Chris foi capaz de fazer um trabalho extraordinário. 

Como você e o gaffer Robert Sciretta fizeram a luz?

Eu queria que o filme fosse o mais naturalista possível. Nós não usamos luzes em movimento. Todas as lâmpadas que você vê no set, são as luzes que realmente estão iluminando a cena. Estas câmeras foram capazes de capturar a luz da lâmpada e o rosto do ator sem clipar. Há uma cena que usamos provavelmente um 20KW. Estava do lado de fora da janela para criar a impressão de luz do dia, mas todas as outras luzes eram apenas as lâmpadas normais da cena.

A maior parte do filme acontece dentro do teatro, num bar, ou em poucos lugares ao redor desse teatro da Broadway. Poucas cenas são de exteriores noturno, não queríamos usar grandes luzes de cinema, pois essas câmeras foram capazes de rodar a 1200 ASA e as lentes provavelmente em F2, luz suficiente em Nova York, especialmente na Times Square. De fato, o que você está fazendo é brigar com a cidade para desligar todas as luzes de uma vez, pois está muito brilhante.

Fizemos uma coisa que pode ser assustadora: combinamos várias temperaturas de cor. Por exemplo, quando Michael Keaton está andando nos corredores do teatro, às vezes tínhamos duas fluorescentes luz do dia, então ele pisaria em um ambiente esverdeado e em seguida em um ambiente com tungstênio. Isso ficou mais naturalista e sujo. Você acha que todos esses grandes teatros são todos glamorosos, mas quando você vai nas entranhas de algum desses lugares, eles são rústicos, feios, pequenos, desconfortáveis, fedorentos… Queríamos capturar isso.

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Quais lentes você escolheu?

Nós usamos uma combinação de Leicas e Master Primes. Eu amo a maneira como as Master Primes são, provavelmente uma das melhores lentes existentes. Gosto de como elas são cristalinas. Você pode enquadrar todas as luzes e elas não causam qualquer reflexo ruim ou coisas assim. Elas permitem que você tenha imagens limpas e que eu gosto muito.

Desconstruindo os planos-sequência de Spielberg

13 dez

Um dos melhores modos de melhorarmos nossa técnica cinematográfica é discutir e analisar como os grandes mestres fazem.

Planos-sequência são um desses elementos que, quando bem executados, criam cenas memoráveis, quase mágicas.

Existem filmes construídos inteiros em planos-sequência, mas hoje iremos falar de um diretor que usa essa técnica com frequência, mas de modo invisível: Steven Spielberg.

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Assista a essa análise dos planos-sequência de Spielberg, e descubra como ele cria essas tomadas incríveis. E quem sabe, sirva de inspiração e referência para você criar os seus próximos planos também!

The Spielberg Oner, por Tony Zhou, com legendas em Português por Akemi Mitsueda.

 

Fonte: cinematografico.com.br

Transformers: A Era da Extinção | Crítica

17 jul

Michael Bay se diverte mais do que consegue divertir a maioria das pessoas

Quando Transformers: A Era da Extinção (Transformers: Age of Extinction, 2014) estreou, o diretor Michael Bay respondeu àqueles que o odeiam e criticam seus filmes: “Eu não ligo. Deixe-os odiar. Eles vão continuar vendo meu filme. Acho que é bom ter esta tensão. Muito bom! Eu costumava ficar chateado, mas acho que é bom ter este diálogo. Ele me faz pensar e mantém meus pés no chão, então, tudo bem”, disse à MTV. E é difícil pensar que Bay está errado em pensar assim. Ele continua fazendo os filmes que gosta de fazer e as pessoas realmente continuam indo ao cinema para vê-los. Nos seus primeiros 30 dias em cartaz ao redor do mundo, o quarto filme da franquia dos robôs gigantes ultrapassou a marca dos 200 milhões de dólares nas bilheterias dos Estados Unidos e já é o filme mais visto da história da China, onde arrecadou 225 milhões de dólares em apenas 12 dias.

Não é à toa que o cineasta anunciou A Era da Extinção como o primeiro filme de uma nova trilogia. Ele realmente só não volta para mais dois filmes da série se não quiser, pois a Paramount e a Hasbro certamente estão é rindo à toa com o tanto de dinheiro que entra bienalmente em seus cofres. Nesta nova fase, o chorão do Sam Witwicky interpretado por Shia LaBeouf sumiu do mapa. Seu nome sequer é lembrado. O que não é esquecida, porém, é toda a destruição causada na batalha de Chicago do terceiro filme, desculpa ideal para fazer o governo dos Estados Unidos agora caçar os Autobots e destruí-los. Poucos robôs continuam vivos, um deles é o líder Optimus Prime, que estava em uma espécie de coma/curto-circuito e é encontrado disfarçado no interior do Texas por um cientista incompreendido vivido por Mark Walhberg.

Com o governo – e uma nova ordem de robôs alienígenas caçadores de recompensa – na sua cola, só resta a Cade Yeager (Wahlberg), sua filha adolescente (Nicola Peltz) e o namorado dela (Jack Reynor) se juntarem aos Autobots em uma batalha pela sobrevivência que os fará voltar a Chicago e depois partir até a Ásia, onde passam por Pequim e Hong Kong novamente causando muita destruição.

Esta é a linha do enredo e, tirando algumas conspirações que não precisam ser mencionadas aqui, tudo o que você precisa saber sobre a trama. Afinal, é um filme onde a lógica e o realismo passam longe. Para Michael Bay, o que vale é o espetáculo visual. Quanto maiores as explosões e menores os shortinhos das atrizes, melhor. E Bay ainda pesa a mão em outras coisas. Ele, que gosta de ficar pessoalmente pilotando as câmeras, abusa do contra-luz no pôr-do-sol, busca enquadramentos diferentes e filma Mark Wahlberg na “hora mágica”, buscando uma poesia cinematográfica que se perde nos infindáveis 165 minutos de filme.

O grande problema de Michael Bay é que ele se diverte muito e parece não saber a hora de parar. Se o filme tivesse uns 40 minutos a menos as reclamações seriam muito menores. A busca constante por uma batalha maior que a anterior é cansativa demais. Por tudo isso, a única forma de sair do cinema tranquilamente após tanta coisa voando na sua direção é reclinar o banco e tentar não pensar muito. Na verdade, isso deveria ser pré-requisito, afinal, se você sai de casa para ver um filme de robôs gigantes que viram carro (e agora dinossauros também) e que Mark Wahlberg é um cientista de talento ímpar, a última coisa que se deveria cobrar é coerência.
Por: Marcelo Forlani

O filme estreia hoje no Brasil, 17 de julho de 2014.

Assista ao trailer abaixo:

Fonte: omelete.uol.com.br

José Padilha | Diretores

28 jan

José Padilha é um cineasta, roteirista, documentarista e produtor cinematográfico brasileiro. Graduado em Administração de Empresas pela Pontifícia Universidade Católica, estudou Economia Política, Literatura Inglesa e Política Internacional em Oxford, Inglaterra.

Fundou em 1997, com o fotógrafo e diretor Marcos Prado, a Zazen Produções. Seu primeiro roteiro produzido foi o documentário para a televisão Os Carvoeiros, em 1999. Sua estreia como diretor de cinema foi no premiado documentário Ônibus 174, de 2002. Seu primeiro longa de ficção foi o sucesso Tropa de Elite, em 2007.

Em 2008, Padilha foi incluído na lista 10 Directors to Watch da revista Variety.
Ao lado de Fernando Meirelles, foi o primeiro diretor anunciado no projeto Rio, eu te amo, da franquia Cities of Love, que inclui títulos como Paris, eu te amo e Nova York, eu te amo.

Em uma entrevista exclusiva durante a Comic-Con 2013, Steve Weintraub conversou com José Padilha, diretor do remake de RoboCop. O diretor falou sobre a diferença entre filmar nos Estados Unidos e no Brasil, como incorporou a tecnologia atual no filme e a contratação de Michael Keaton. Padilha também fala sobre as citações do primeiro filme e do RoboCop político.


Filmografia
2014 – Robocop
2011 – Paraísos Artificiais (produtor)
2011 – Rio, Eu Te Amo (produtor)
2010 – Tropa de Elite 2: O Inimigo Agora é Outro (diretor, roteirista, produtor)
2010 – Segredos da Tribo (documentário de televisão)
2009 – Garapa (documentário)
2007 – Tropa de Elite (diretor, roteirista, produtor)
2004 – Estamira (produtor)
2003 – Brazil’s Vanishing Cowboys (diretor, produtor)
2002 – Ônibus 174 (Documentário) (diretor, roteirista, produtor)
2000 – Os Carvoeiros (Documentário) (roteirista, produtor)

Fernando Meirelles | Diretores

24 jan

Fernando Ferreira Meirelles é um cineasta, produtor e roteirista brasileiro que ganhou notoriedade internacional com o filme Cidade de Deus (2002), pelo qual foi indicado ao Oscar de Melhor Diretor em 2004.

Posteriormente, passou a dirigir filmes estrangeiros, como O Jardineiro Fiel (2005), baseado no romance homônimo de John Le Carré e pelo qual foi indicado ao Globo de Ouro de Melhor Diretor e ao BAFTA de Melhor Diretor; e Ensaio sobre a Cegueira (2008), baseado no romance homônimo de José Saramago.

Filmografia

2012 – 360
2011 – Brasil Animado (voz)
2008 – Blindness
2005 – The Constant Gardener
2002 – Cidade de Deus
2001 – Domésticas
2001 – Palace II (curta-metragem)
1998 – Menino Maluquinho 2 – A Aventura
1998 – E no Meio Passa um Trem (curta-metragem)
1983 – Garotos do Subúrbio (curta-metragem)
1983 – Brasília (curta-metragem)

Assista a continuação da entrevista:
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EFEITOS SONOROS E TRILHAS [ FREE ]

22 abr

Efeitos sonoros ou efeitos de áudio são sons criados ou editados artificialmente, utilizados para enfatizar obras artísticas como filmes, programas de televisão, animações, jogos de vídeo, músicas, ou outros meios de comunicação.

Na indústria de gravação é freqüentemente abreviado como “FX”.

Na produção cinematográfica e televisiva, um efeito sonoro é um som gravado e apresentado para fazer uma determinada narração da história sem o uso do diálogo ou de música. O termo geralmente se refere a um processo aplicado para uma gravação, sem necessariamente referir-se à gravação em si.

Na produção cinematográfica e televisiva profissional, a gravação de diálogo, música e efeitos sonoros são tratados como elementos separados. Diálogo e gravações musicais nunca são referidos como efeitos sonoros, embora os processos aplicados a eles, como a reverberação ou flanging, muitas vezes são chamados de “efeitos sonoros”.

Indico alguns sites de efeitos sonoros e trilhas para download:

http://www.robertetoll.com/
http://www.megatrax.com/
http://www.freesound.org/
http://soundfxnow.com/
http://www.audiomicro.com/

“Criamos e divulgamos conteúdos para entusiastas, estudantes e profissionais do audiovisual”. Gustavo Lopes, Fundador do Oeditor.com

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São matérias, vídeos, novidades sobre equipamentos, making of’s, tutoriais de softwares e demais conteúdos compartilhados por profissionais da área.

Criado em 2009, a comunidade tem como público-alvo profissionais que até então não encontravam em um único site ou blog assuntos direcionados especificamente a eles, além de networking direto entre público e marcas. No decorrer dos anos, a comunidade conquistou um número expressivo de seguidores diante de um público bastante segmentado.

Essa conquista foi possível devido aos profissionais que atuam no site Oeditor.com.

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É uma equipe especializada em várias áreas do audiovisual e comprometida em buscar, diariamente, conteúdos inéditos e de qualidade para todos os leitores.

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